vous ouvrez une pièce à la première page, et la première chose qui vient vous déchirer est de L’italique, un écrivain qui vous parle de l’éclairage à Brooklyn à l’été 73, des descriptions approfondies d’une bibliothèque ou tout simplement « ils traversent les Andes”, l’indomptable og de Wild stage directions de la pièce de Peter Shaffer, the Royal Hunt of the sun, en 1964. Quelles sont ces commandes en italique?, Et comment pouvez-vous, en tant qu’acteur en herbe, leur donner un sens? Séparer le bon grain de l’ivraie? Le Tenessee Williams d’Eugène Ionesco? Les réponses sont contenues dans, lisez la suite pour découvrir les mystères et les subtilités des directions de scène dans les productions théâtrales!
quelles sont les Directions de la scène?
Les Directions de scène sont des instructions dans une pièce pour les aspects techniques de la production comme l’éclairage, le son, les costumes, les décors ou les accessoires et surtout, le mouvement des acteurs sur scène., C’est la scène qui vous disent ce qu’un personnage ressemble, où il voyage dans l’espace et que l’espace ressemble et sonne comme.
Les directions de scène vous donnent des informations vitales pour l’action et les relations entre les personnes, les choses et les lieux à l’intérieur d’un texte. Ils vous donnent également un aperçu du dramaturge et de la façon dont ils abordent leur travail. Shakespeare était célèbre très léger sur les directions de la scène, son seul crédité est « exit stage left, poursuivi par un ours »! C’est parce qu’il jouait ou dirigeait ses propres pièces et n’avait pas besoin d’écrire les directions de scène.,Tennessee Williams, d « autre part, était incroyablement descriptif, outrageusement prescriptif et a écrit de véritables Directions de scène de longueur d » essai! Chaque auteur a son propre style, et c’est votre travail en tant qu’acteur pour savoir ce que ces instructions et comment les faire travailler pour vous sur scène.
les bases des directions de mouvement
Vous avez peut-être entendu parler de l’idée de « scène gauche” ou de « scène centrale”. Ce sont des termes réels utilisés dans le théâtre pour décrire les différentes positions sur la scène. Ils sont toujours donnés du point de vue des acteurs., Upstage étant vers l’arrière de l’auditorium et downstage vers le public. Gauche et droite correspondant à l’acteur regardant le public. Voir ce schéma utile ci-dessous:
alors maintenant, quand vous lisez les instructions de scène de Look Back in Anger de John Osborne et lisez ce qui suit dans l’acte 1: « (Il marche C., derrière Cliff, et se tient debout, regardant sa tête.) « Vous savez que vous devez passer de l’endroit où vous avez terminé votre dernière ligne, au centre de la scène et regarder l’autre acteur Assis sur la chaise! Facile à droite?,
directions scéniques
les directions scéniques d’ouverture à Hedda Gabler D’Ibsen ressemblent à ceci:
« à l’arrière, une large porte avec des rideaux tirés en arrière, menant à une pièce plus petite décorée
dans le même style que le salon. Dans le mur droit de la pièce avant, une porte pliante menant à la salle. Dans le mur opposé, à gauche, une porte vitrée, également avec des rideaux tirés en arrière. À travers les vitres peut être vu une partie d’une véranda à l’extérieur, et les arbres couverts de feuillage d’automne. »
ceci est un travail spécifique ici ai-je raison?, Ibsen sait exactement à quoi il veut que la scène ressemble et même maintenant, des décennies après son décès, la scène de cette pièce ressemble presque toujours à la maison D’Hedda. Voici une photo d’une production au Royal Lyceum Theatre D’Édimbourg, mise en scène par Amanda Gaughan en 2015.
Vous pouvez voir que les directions scéniques D’Ibsen d’il y a des centaines d’années ont été fidèlement animées dans cette production.,
et vous pouvez voir les réalisateurs et les concepteurs de ces spectacles, interprétant de manière créative ces instructions en fonction de leurs propres espaces et de leurs propres visions de la production. Ils peuvent ne pas avoir les entrées et les sorties aux bons endroits et devront ajuster légèrement le plan D’Ibsen pour le faire fonctionner. Cependant, lorsque les directions de scène sont spécifiques, leur production a tendance à être très proche de la description fournie. Le monde que le dramaturge met en place est le plus souvent, partie intégrante des personnages sur la scène et doit être traité comme tel.,
Costume et personnage
un élément important pour tout personnage sur scène est leur apparence. C’est ce qui nous permet de savoir qui ils sont et comment ils se voient dans le monde. Parfois, un dramaturge donnera une description complète du personnage avec un costume qui vous donne une image complète de qui est cette personne. De retour dans Look Back in Anger de John Osbourne, le protagoniste Jimmy est décrit comme suit:
« Jimmy est un jeune homme grand et mince d’environ vingt-cinq ans, portant une veste en tweed très usée et des flanelles. Des nuages de fumée remplissent la pièce de la pipe qu’il fume., Il est un mélange déconcertant de sincérité et de méchanceté joyeuse, de tendresse et de cruauté débridée; agité, importun, plein d’orgueil, une combinaison qui aliène le sensible et l’insensible. L’honnêteté fulgurante, ou l’honnêteté apparente, comme la sienne, fait peu d’amis. Pour beaucoup, il peut sembler sensible au point de vulgarité. Pour les autres, il est simplement une bouche forte., »
maintenant, évidemment, en tant qu’acteur jouant Jimmy, il serait difficile de jouer tous ces aspects en même temps, mais si j’allais auditionner pour le rôle, j’essaierais de porter des vêtements similaires à la description ici. Il vous donne des informations vitales, le personnage est classe ouvrière, il est plein d’énergie refoulée et qu’il fume., C « est quelqu” un qui est très différent de dire la description du personnage pour James Bond – » un bel homme, dans un costume immaculé, avec un éclat dans les yeux et un pistolet dans sa veste « et vous ne voudriez pas que votre préparation à l » audition soit confuse d « une manière ou d » une autre!
C’est aussi pourquoi je dis toujours aux nouveaux acteurs qu’ils doivent lire la pièce complète!, Vous devez toujours lire la pièce complète, parce que les directions de scène, parmi beaucoup d’autres choses, vous donnent des idées si merveilleuses et concrètes sur votre personnage, comment ils se voient dans le monde et comment le monde qui les entoure réagit à leur présence.
son, éclairage et aspects techniques
l’aspect technique final des directions scéniques est le son, l’éclairage et d’autres directions techniques. Maintenant, ceux-ci ne sont pas aussi importants pour les acteurs que les autres aspects ci-dessus ou ci-dessous, mais ils méritent d’être gardés à l’esprit., Un son ou un effet de lumière peut affecter votre performance de manière significative, lors de la lecture d’une pièce ou de la préparation d’une audition, gardez toujours ces notes à l’esprit car un coup de feu qui se produit hors scène au milieu de votre monologue sera probablement quelque chose auquel vous devez réagir!
Directions de la Performance
en plus de ces directions techniques de la scène pour traiter des aspects pratiques de la mise en scène d’un spectacle, les dramaturges incluront également des directions de scène performatives, ce sont souvent des actions à un seul mot entre parenthèses, qui indiquent comment le dramaturge pense que la ligne devrait être livrée., Ceux-ci peuvent complètement changer le sens ou le sous-texte d’une ligne. Les exemples incluent:
Gavin: je suis un golfeur. J’ai jouer au golf.
Melissa: Que faites-vous d’autre?
Gavin: (sourire)Je ne comprends pas ce que tu veux dire.
De Party Time par Harold Pinter. Ou essayez Medvedenko De La Mouette de Checkov.
Medvedenko: pourquoi? (Réfléchie.) Je ne comprends pas Your votre santé est bonne, votre père n’est peut-être pas riche, mais il a tout ce dont il a besoin. Ma vie est bien plus dure que la tienne. Je gagne vingt-trois roubles par mois, c’est tout, sans compter les retenues de pension, et je ne fais pas le tour en noir.,
ou cet échange de la pièce D’ombre de Noel Coward:
Martha: Combien Ça te dérange?
Vicky: l’Esprit ce?
elle enlève la robe de chambre du lit et entre dans la salle de bain, laissant la porte ouverte.
Marthe: (fermement)à propos de Simon et Sibylle.
Vicky: cœur brisé, ma chère— (elle rit.) Vous ne devez pas être trompé par ma frivolité gay, c’est vraiment seulement masquer l’agonie et la défaite et le désespoir—
Martha: (s’aidant d’une cigarette)vous êtes extrêmement irritant.,
Vous pouvez voir dans tous ces petits extraits combien les didascalies, en particulier les performances, ajouter ou de modifier le cours de l’action. Sourire tout en disant « Je ne comprends pas ce que vous voulez dire » ajoute une bande de sous-texte qui ne serait pas là autrement. Il est important de noter également qu’il existe deux écoles de pensée en ce qui concerne ce genre de directions scéniques. Je vais poser deux options pour vous et vous pouvez choisir ce qui fonctionne pour vous!,
#1 Honneur tout approche
Comme il semble, cette approche dit, si le script vous dit à pleurer sur la cinquième ligne de l’acte 2 – vous pleurer sur la cinquième ligne de l’acte 2 viennent de l’enfer ou de highwater! C’est le défi du travail pour vous l’acteur d’apporter votre vulnérabilité émotionnelle et de lui donner vie sur cue! L’écrivain vous a donné tout ce dont vous avez besoin pour le faire et c’est à vous d’entrer dans les circonstances données du personnage et d’exécuter leur voyage émotionnel tel que spécifié dans l’œuvre, à la lettre!,
#2 Arthur Miller ne possède pas vos choix….
le contrepoint à cela est, comme un merveilleux professeur de Steppenwolf m’a dit, » Arthur Miller ne possède pas vos choix! Il est mort. Il n’est pas de retour! »L’ambiance ici étant, que si vous ne le sentez pas, ne le faites pas arriver juste parce que le script le dit. Vous devez apporter votre propre vision unique et l’interprétation du rôle pour lui donner vie. Si vous essayez de générer un état émotionnel sur cue, il se sentira forcé et faux à un public rendant le moment invalide.,
je pense que j’accorde à une troisième voie, qui est parfois, vous ne pouvez pas y arriver. Il peut être difficile de ressentir une joie complète sur scène la nuit si vous avez subi un décès dans la famille pendant la journée. Vous pourriez trouver plus facile de pleurer certaines nuits plutôt que d’autres. Ce que je dirai, c’est que le texte doit être traité avec beaucoup de respect et de sérieux. Vous devriez essayer d’effectuer tout ce qui est écrit là-dedans, mais si vous êtes incapable de, ou si un choix différent se produit sur une ligne qui est plus authentique pour vous alors allez avec elle!,
la personne qui est vraiment là pour aider dans ces moments est votre directeur. Le réalisateur a le pouvoir de dire, oui ou non, de s’en tenir à ces directions scéniques performatives dans un script et vous devriez les consulter avant de prendre des décisions de toute façon. Si vous auditionnez pour le rôle, je vous encourage à faire confiance à votre instinct, à aller avec ce qui vous semble juste et à être prêt à changer votre interprétation une fois que vous êtes dans la salle d’audition, si nécessaire!
Conclusion
Là vous l’avez! Direction de la scène démystifiée!, Ils peuvent devenir beaucoup plus ésotériques que les exemples énumérés ici. J’étais une fois dans une production D’Eurydice de Sarah Ruhl qui présentait une mise en scène de il construit une maison en ficelle devant elle ce qui était un défi technique à réaliser laissez moi vous dire! Cependant, pour la grande majorité du temps, les directions de scène servent d’indicateurs fantastiquement détaillés du caractère, de l’environnement et des relations entre votre personnage et le reste de son monde dans une pièce Donnée., Espérons que cet article vous a aidé à comprendre les bases des directions de scène et si vous souhaitez vous entraîner à mettre des directions de scène en action, pourquoi ne pas vous inscrire à notre club de scène en ligne ci-dessous!