The Waste Land and criticism
con la publicación en 1922 de su poema The Waste Land, Eliot ganó una reputación internacional. The Waste Land expresa con gran poder el desencanto, la desilusión y el disgusto del período posterior a la Primera Guerra Mundial.en una serie de viñetas, vagamente unidas por la leyenda de la búsqueda del Grial, retrata un mundo estéril de temores de pánico y lujurias estériles, y de seres humanos esperando algún signo o promesa de redención., El estilo del poema es altamente complejo, erudito y alusivo, y el poeta proporcionó notas y referencias para explicar las muchas citas y alusiones de la obra. Este suplemento Académico distrajo a Algunos lectores y críticos de percibir la verdadera originalidad del poema, que radica más bien en su interpretación del predicamento humano universal del hombre que desea la salvación, y en su manipulación del lenguaje, que en su gama de referencias literarias. En sus poemas anteriores Eliot había demostrado ser un maestro de la frase poética., The Waste Land le mostró ser, además, un metrista de gran virtuosismo, capaz de asombrosas modulaciones que van desde lo sublime hasta lo conversacional.
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The Waste Land consta de cinco secciones y procede sobre un principio de» discontinuidad retórica » que refleja la experiencia fragmentada de la sensibilidad del siglo XX de las grandes ciudades modernas de Occidente., Eliot expresa la desesperanza y la confusión del propósito de la vida en la ciudad secularizada, la decadencia de urbs Aeterna (la «ciudad eterna»). Este es el último tema de la Tierra Baldía, concretado por los constantes cambios retóricos del poema y sus yuxtaposiciones de estilos contrastantes. Pero la Tierra Baldía no es un simple contraste del pasado heroico con el presente degradado; es, más bien, una conciencia simultánea atemporal de la grandeza moral y el mal moral. El manuscrito original del poema de aproximadamente 800 líneas fue reducido a 433 por sugerencia de Ezra Pound., The Waste Land no es el mejor poema de Eliot, aunque es el más famoso.
Eliot dijo que el poeta-crítico debe escribir «crítica programática», es decir, crítica que expresa los propios intereses del poeta como poeta, muy diferente de la erudición histórica, que se detiene en colocar al poeta en su fondo. Conscientemente intencionada o no, la crítica de Eliot creó una atmósfera en la que su propia poesía podría ser mejor entendida y apreciada que si tuviera que aparecer en un entorno literario dominado por los estándares de la época anterior., En el ensayo «la tradición y el talento Individual», que aparece en su primer volumen crítico, la madera sagrada (1920), Eliot afirma que la tradición, tal como la utiliza el poeta, no es una mera repetición de la obra del pasado inmediato («la novedad es mejor que la repetición», dijo); más bien, abarca toda la literatura europea, desde Homero hasta el presente. El poeta que escribe en inglés puede, por lo tanto, hacer su propia tradición utilizando materiales de cualquier período pasado, en cualquier idioma., Este punto de vista es «programático» en el sentido de que dispone al lector a aceptar la novedad revolucionaria de las citas políglotas de Eliot y parodias serias de los estilos de otros poetas en la Tierra Baldía.,
también en el bosque sagrado, «Hamlet y sus problemas» expone la teoría de Eliot del correlativo objetivo:
la única forma de expresar la emoción en forma de arte es encontrando un «correlativo objetivo»; en otras palabras, un conjunto de objetos, una situación, una cadena de eventos que serán la fórmula de esa emoción particular; de tal manera que, cuando se dan los hechos externos, que deben terminar en la experiencia sensorial, la emoción es inmediatamente evocada.,
Eliot usó la frase «correlativo objetivo» en el contexto de su propia teoría impersonal de la poesía; por lo tanto, tuvo una inmensa influencia hacia la corrección de la vaguedad de la retórica victoriana tardía al insistir en una correspondencia de palabra y objeto. Otros dos ensayos, publicados por primera vez el año después de The Sacred Wood, casi completan el canon crítico de Eliot: «the Metaphysical Poets» y «Andrew Marvell», publicado en Selected Essays, 1917-32 (1932)., En estos ensayos los efectos de una nueva perspectiva histórica en la jerarquía de la poesía inglesa, poniendo en la parte superior Donne y otros poetas Metafísicos del siglo 17 y la reducción de los poetas de los siglos 18 y 19. La segunda frase famosa de Eliot aparece aquí: «disociación de la sensibilidad», inventada para explicar el cambio que se produjo en la poesía inglesa después de Donne y Andrew Marvell. Este cambio le parece consistir en una pérdida de la unión de pensamiento y sentimiento., La frase ha sido atacada, sin embargo, el hecho histórico que dio lugar a ella no se puede negar, y con la poesía de Eliot y Pound tuvo una fuerte influencia en la reactivación del interés en ciertos poetas del siglo 17.
la primera fase, o programática, de la crítica de Eliot terminó con el uso de la poesía y el uso de la crítica (1933) – sus conferencias Charles Eliot Norton en Harvard., Poco antes de esto sus intereses se habían ampliado a la teología y la sociología; tres libros cortos, o ensayos largos, fueron el resultado: pensamientos después de Lambeth (1931), la Idea de una sociedad cristiana (1939), y notas hacia la definición de la cultura (1948). Estos libros-ensayos, junto con su Dante (1929), una obra maestra indudable, ampliaron la base de la literatura a la teología y la filosofía: si una obra es poesía debe decidirse por estándares literarios; si es una gran poesía debe decidirse por estándares más altos que los literarios.,
la crítica y la poesía de Eliot están tan entrelazadas que es difícil discutirlas por separado. El gran ensayo sobre Dante apareció dos años después de que Eliot fuera confirmado en la Iglesia de Inglaterra (1927); en ese año también se convirtió en un súbdito Británico. El primer poema largo después de su conversión fue el Miércoles de ceniza (1930), una meditación religiosa en un estilo completamente diferente al de cualquiera de los poemas anteriores. El miércoles de ceniza expresa los dolores y la tensión involucrados en la aceptación de la creencia religiosa y la disciplina religiosa., Este y los poemas posteriores fueron escritos en un estilo más relajado, musical y meditativo que sus obras anteriores, en las que el elemento dramático había sido más fuerte que el lírico. El miércoles de ceniza no fue bien recibido en una época que sostenía que la poesía, aunque autónoma, es estrictamente secular en su perspectiva; fue malinterpretada por algunos críticos como una expresión de desilusión personal.